„N.N.N.N.“ erscheint als viergeteiltes Bewusstsein: vier Tänzer*innen in permanenter, filigraner Verbindung.

Die Partitur ihres hörbaren Atems fügt sie zu einer fest verbundenen Einheit zusammen, ihre Gliedmaßen werden zu aufeinander abgestimmten Einzelstimmen, die sich gegenseitig kontrastieren. So erreichen sie einen komplexen und intensiven Zustand des Musizierens.

William Forsythe ist seit über 50 Jahren als Choreograf tätig. Seine Werke sind dafür bekannt, dass sie die Praxis des Balletts aus der Identifikation mit dem klassischen Repertoire gelöst und zu einer dynamischen Kunstform des 21. Jahrhunderts transformiert haben.

Er tanzte mit dem Joffrey Ballet und später mit dem Stuttgarter Ballett, dessen Hauschoreograf er 1976 wurde. 1984 begann seine 20-jährige Tätigkeit als Direktor des Ballett Frankfurt. Im Anschluss formierte Forsythe ein neues Ensemble, The Forsythe Company, das er von 2005 bis 2015 leitete.

Forsythes tiefgreifendes Interesse an organisatorischen Grundprinzipien der Choreografie hat ihn dazu geführt, ein breites Spektrum von Projekten in den Bereichen Installation, Film und webbasierter Wissensentwicklung zu realisieren. Während seine Bühnenarbeiten einen zentralen Platz im Repertoire der Ballettensembles weltweit einnehmen, sind seine Installationen international sowohl in Museen als auch in Sammlungen vertreten.

Forsythe erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Goldenen Löwen der Biennale von Venedig, den Theaterpreis DER FAUST und den Kyoto-Preis, alle drei für sein Lebenswerk.

Choreografie, Licht, Bühne, Kostüme

Tanz

N.N.N.N.

„Body Me“ beruht auf einer einfachen Entscheidung: Die Körper der anderen sind der Ausgangspunkt. Jede Bewegung der Tänzer*innen wird nicht für sich isoliert erfunden, sondern von jemand anderem abgeleitet – beobachtet, berührt, unterbrochen, geliehen, übersetzt. Die Choreografie bestimmt, wie das Bewegungsmaterial entsteht.

Körper lesen einander, Körper formen einander, Körper tauschen Informationen aus, die man nicht vollständig besitzen kann. Es gibt keine lineare Narration, sondern eine Reihe sich verschiebender Situationen. Solo wird Duett, Duett wird Gruppe, Intimität wird Distanz, Unterstützung wird Widerstand. Das Stück behandelt den Körper zugleich als Material und als Bedeutung, als physische Realität und als gesellschaftliche Projektionsfläche für Fürsorge, Angst, Begehren oder Kontrolle.

Ständig befassen wir uns mit den Körpern anderer – wer darf sich bewegen, wer muss anhalten, wer darf nah sein, wer muss wegbleiben. „Body Me“ hält diese Spannung aus. Das Stück fragt, was entsteht, wenn der Körper nicht nur das Zentrum des Tanzes, sondern selbst zur zentralen Frage wird: wie wir miteinander umgehen, voneinander lernen und was wir verlieren oder zurückgewinnen, wenn wir uns gemeinsam bewegen.

Cyril Baldy, geboren in Frankreich, ist ein angesehener Tänzer, Choreograf, Pädagoge und Probenleiter. Seine Tanzausbildung erhielt er von 1993 bis 1997 am Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Seine berufliche Laufbahn begann 1997 beim Jeune Ballet de France. Kurz darauf wechselte er zum Nederlands Dans Theater II und anschließend zum Nederlands Dans Theater I unter der Leitung von Jiří Kylián, wo er bis 2002 tanzte.

Baldy wechselte dann zum Ballett Frankfurt und schloss sich schließlich 2005 The Forsythe Company an, wo er bis 2014 unter der Künstlerischen Leitung von William Forsythe tanzte. Seit 2014 arbeitet er freischaffend als Choreograf und Pädagoge sowie als Probenleiter und Ballettmeister für Forsythes Werke.

Er arbeitete für zahlreiche renommierte Ensembles, darunter das Ballet BC, das Nederlands Dans Theater, das Ballet de l’Opéra de Lyon und das Pacific Northwest Ballet.

Choreografie

Body Me

Down the Road

Bockenheimer Depot

Ioannis Mandafounis arbeitet mit dem Ensemble fortlaufend an seiner Improvisationspraxis. Bewegungen, Beziehungen und Situationen, die flüchtig im Moment entstehen, auf große Bühnen zu bringen, ist eine besondere Herausforderung. Über die Jahre experimentierte Mandafounis deswegen immer wieder damit, wie die klassische, frontale Bühnensituation gebrochen werden kann.

Oft geschieht das, indem der Rahmen einer Aufführung, die auf einer Bühne stattfindet, durch eine direktere Beziehung zwischen Tänzer*innen und Publikum ein wenig verschoben wird. Der Tanz gewinnt so seine Bedeutung nicht als visuelles Geschehen, sondern als relationales: Es geht nicht um Darstellung, sondern um Erlebnisse. In dieser Spielzeit kreiert Mandafounis wieder ein abendfüllendes Werk für das gesamte Ensemble.

Neues Werk

William Forsythe gilt zurecht als einer der wichtigsten Choreografen des ausgehenden 20. Jahrhunderts. Sein innovativer Umgang mit der Tradition des Balletts hat dem Tanz Richtungen eröffnet, die sonst schwer vorstellbar schienen. Von 1984 bis 2004 leitete Forsythe das Ballett Frankfurt und von 2005 bis 2015 The Forsythe Company. Später wurde diese in Dresden Frankfurt Dance Company umbenannt.

Am Ende seiner Karriere kehrte Forsythe nun an den Ort seines langjährigen Schaffens zurück und entwickelte für das neue Ensemble der Company eine letzte Bühnenarbeit. Darin erschafft er ausgehend von einem improvisatorischen Baukasten eine strukturelle Ordnung, die anstatt für etwas anderes zu stehen, aus sich selbst heraus einen ästhetischen Genuss anbietet.

Wie in einem Kaleidoskop bilden sich Muster, die innerhalb eines klaren Rahmens immer wieder unvorhersehbar und überraschend sind. Die Tänzer*innen erkunden das Bewegungssystem, das sie selbst bilden, bis an seine Grenzen. Das Publikum ist eingeladen, dieser Erforschung zu folgen und das Werk als lebendiges, atmendes System zu erleben.

Er tanzte mit dem Joffrey Ballet und später mit dem Stuttgarter Ballett, dessen Hauschoreograf er 1976 wurde. 1984 begann seine 20-jährige Tätigkeit als Direktor des Ballett Frankfurt. Im Anschluss formierte Forsythe ein neues Ensemble, The Forsythe Company, das er von 2005 bis 2015 leitete. 

Forsythes tiefgreifendes Interesse an organisatorischen Grundprinzipien der Choreografie hat ihn dazu geführt, ein breites Spektrum von Projekten in den Bereichen Installation, Film und webbasierter Wissensentwicklung zu realisieren. Während seine Bühnenarbeiten einen zentralen Platz im Repertoire der Ballettensembles weltweit einnehmen, sind seine Installationen international sowohl in Museen als auch in Sammlungen vertreten. Forsythe erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Goldenen Löwen der Biennale von Venedig, den Theaterpreis DER FAUST und den Kyoto-Preis, alle drei für sein Lebenswerk.

Choreografische Assistenz 

Probenleitung

Licht

Kostüme

Undertainment

Das dritte Klavierkonzert von Sergei Rachmaninoff gilt als besondere Herausforderung für Pianist*innen. Jenseits der technischen Virtuosität, die gewiss auch einen Anteil an seinem Reiz ausmacht, ist die Musik geprägt von einer außerordentlichen emotionalen Komplexität. Thomas Hauert bringt in seiner Arbeit für die DFDC das Konzert in der Aufnahme mit Martha Argerich von 1982 auf die Bühne. Das Ensemble taucht in die Musik ein und tritt mit ihr in einen spielerischen Dialog.

Die Tänzer*innen interpretieren die Musik aus ihrer subjektiven Wahrnehmung heraus mit ihren Körpern und interagieren mit dem Rhythmus, der Dynamik und den emotionalen Kontrasten. Zugleich reagieren sie in einem komplexen Geflecht aufeinander. Aus der Arbeit mit seiner eigenen Company ZOO bringt Hauert in über 25 Jahren entwickelte Prinzipien und Spielregeln für Improvisation mit, die weniger auf Kontrolle als auf die kollektive Intelligenz aller zusammen setzen.

Diese Arbeitsweise steht in einem interessanten Spannungsverhältnis zu Rachmaninoff. Während dieser als beispielhafte Schöpferfigur, die gewissermaßen über den Dingen schwebt, den Musiker*innen, inkl. der Solistin, auf autoritäre Weise enge Vorschriften macht, grenzt sich Hauerts Praxis von einem so überhöhten Geniebegriff zugunsten eines radikal kollaborativen Schöpfungsprozesses ab. Der Tanz begreift die Musik nicht als Kommando, sondern nutzt sie als Anregung, als Spielplatz, ja als Gegenüber eines immer wieder neuen, überraschenden Dialogs.

Thomas Hauert gründete 1998 seine Company ZOO in Brüssel. „Cows in Space“ war sein erstes Stück, das gleich bei den Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis ausgezeichnet wurde. Seither entwickelte die Company mehr als 21 Stücke. Neben seiner Arbeit für ZOO war Hauert Gastchoreograf u.a. für das Zürich Ballett, das Toronto Dance Theatre, die Candoco Dance Company, das Ballet Junior de Genève und das Ballet de Lorraine.

Angelehnt an seine choreografische Arbeit entwickelte Hauert eine international anerkannte Unterrichtsmethode, die auf seinen Bewegungsrecherchen mit ZOO basiert. Seit 2013 ist er der künstlerische Leiter des Bachelor Programms für Zeitgenössischen Tanz bei der Manufacture – Haute école des arts de la scène in Lausanne. 2025 erhielt er den Schweizer Grand Prix Darstellende Künste / Hans-Reinhart-Ring für seine herausragende Karriere als Tänzer und Choreograf.

Dramaturgie

Playing with Sergei, Martha and the Others

Forsythe / Hauert

Schauspiel Frankfurt

Begegnungen zwischen unterschiedlichen Menschen sind immer unvorhersehbar. Man beäugt sich, man stürmt voraus, man wartet ab, umkreist sich, verstolpert sich, hält plötzlich inne, fängt nochmal vorn an – und merkt vielleicht, ah, ja, wir können miteinander.

Die Szenen von „À la carte“ ermöglichen mit unterschiedlichen Requisiten, Toneffekten, Musik und Lichtstimmungen eine Vielfalt an Tanzstilen, Atmosphären und Themen. Anlass und Ausgangspunkt ist dabei immer die Begegnung zwischen Ensemble und Publikum, ganz so, als würde man gemeinsam ein abwechslungsreiches Menü kochen. Der Rahmen dafür ist die Tanz-Methodik von Ioannis Mandafounis, die es erlaubt, live auf der Bühne eine Choreografie zu kreieren. Fast nichts, das die Tänzer*innen in dieser Inszenierung tun, wurde zuvor festgelegt. Alle Bewegungen entstehen aus dem Aufeinandertreffen der verschiedenen Körper.

„À la carte“ war die erste Produktion der Dresden Frankfurt Dance Company unter der künstlerischen Leitung von Ioannis Mandafounis. Mit der Arbeit stellt das Ensemble seine Tanzpraxis vor, die ebenso auf dem Austausch zwischen den einzelnen Künstler*innen beruht wie auf der Kommunikation mit dem Publikum.

Musikalische Leitung

Bühne und Licht

Live Elektronische Musik

À la carte

Forsythe / Mandafounis

LAC Lugano Arte e Cultura

Hellerau - Europäisches Zentrum der Künste

In großer Enge sehnt man sich nach Weite, im Tohuwabohu nach Reduktion und Klarheit. Oft enthält etwas sein eigenes Gegenteil. Die Bilder und Situationen in „This Beautiful Messy Thing“ sind von solchen Spannungen geprägt. Wo führt der Drang nach Veränderung hin?

Vielleicht kann man die Kontraste selbst genießen, anstatt auf einen Moment zu hoffen, in dem alle Wünsche erfüllt sind. Beim Tanzen kann man mit den Grenzen der Situation spielen, anstatt von ihnen gebremst zu werden. Gegenstände, die als Baustoffe einer Szenerie dienen könnten, verweigern hier eine solche nützliche Ordnung und behaupten stattdessen als lärmende Objektchoreografie ihr Eigenleben. Da fliegt wohl einiges durch die Luft.

In den Händen des Schlagzeugers Philipp Danzeisen vermischen sich Samples der verschiedenen Geräusche mit den Sounds der Trommeln. Die lebendige, organische Körperlichkeit der Tänzer*innen, eingegrenzt und gehalten durch das Bühnenbild, ganz nah am Publikum oder vereinzelt im Raum, wirkt so verletzlich wie kraftvoll. Es ist ein Stück von Mandafounis, nur noch lauter – und leiser.

Das neue Stück „Here is There" von Ioannis Mandafounis feiert am 04.06.2025 Uraufführung in Frankfurt am Bockenheimer Depot.

Komposition, Schlagzeug

Bühne

Vorproben und Recherche

This Beautiful Messy Thing

Wenn man etwas genau betrachtet, kann man auch in scheinbar zufälligen Handlungen Muster erkennen. Wenn man lang genug schaut, sieht man, wie sie sich verändern. Thomas Bradley lädt mit seiner ersten Arbeit für die DFDC zu einer solchen Betrachtung ein. Er versteht Choreografie als soziales System, einem Spiel ähnlich. 

Durch dauerhafte Aufmerksamkeit entsteht eine aufgeladene Atmosphäre, in der Regeln und Bedingungen die Entscheidungen der Tänzer*innen in den Fokus rücken. Alle haben ihre eigenen Strategien, aber durch ihr gemeinsames Ziel bleiben ihre Beziehungen bestehen. Auch die Kostüme beeinflussen das Geschehen in entscheidender Weise. In einem mit Bedacht strukturierten Raum trifft die Choreografie auf zwei weitere akustische Elemente: die klanglichen Spuren der Zerlegung eines Elektrogeräts und eine Solo-Sonate für Trompete von HK Gruber.

Thomas Bradley wurde in Cootamundra, Australien geboren und studierte an der New Zealand School of Dance. Ab 2012 tanzte er für die Sydney Dance Company, ab 2015 für das Australian Dance Theatre. 2017 bis 2023 arbeitete er als Tänzer, Pädagoge und Kostümbildner für Emanuel Gat Dance. Seit 2023 arbeitet er als Tänzer und immer wieder auch Kostümbildner für die Dresden Frankfurt Dance Company.

Seine Solo-Arbeiten wurden europaweit gezeigt: unter anderen Butohpolis (International Butoh Art Festival, Warschau, Polen), Teatr Rozbark (Bytom, Polen), Fuori Programma (Rom, Italien), International Dance Week Budapest, Le Louvre (Paris, Frankreich), Rez Gauche (Brüssel, Belgien), Thessaloniki Queer Arts Festival (Thessaloniki, Griechenland), Garage 19 (Korfu, Griechenland), SOLO International Contemporary Dance Festival (Ankara, Türkei) und O.Z.O.R.A. Festival (Ungarn). Als Kostümbildner arbeitete er unter anderem für das Staatsballett Berlin, das Scottish Dance Theatre, TANZ LINZ (Österreich) und die Oper Graz (Österreich). Er ist Mitbegründer des Performancekollektivs LANDBREAKERS und Leiter des choreografischen Ensembles PLAYWORK-GROUP.

Tanzkünstler*innen

Sound Design

Outside Eye

Several Rhythms Sort Thoughtfully

Here is There

Die Miniaturen erzählen kleine Geschichten. Sie handeln von einem glamourösen Boxkampf, von witzigen Robotern, die sich gegenseitig reparieren, von einem furiosen Fussballmatch, von einem unheimlichen Feuer, von Freundschaft mit nicht nur einem Herz und fliegenden Superheros.

Zusammen mit Kindern in Argentinien und der Schweiz hat Teresa Rotemberg fantasievolle Geschichten und Zeichnungen erarbeitet, die auch von Widerstandsfähigkeit und Optimismus erzählen. Daraus hat die Choreografin gemeinsam mit Tänzer*innen eine Bewegungssprache entwickelt, die den Erlebniswelten der Kinder Zeit und Raum gibt.

Die Company MAFALDA der Choreografin Teresa Rotemberg fasziniert ihr Publikum mit ganz eigenen und vielschichtigen Welten. Die mal narrativen, mal abstrakten Werke kombinieren oft hochvirtuose Tanzelemente mit humorvollen, skurrilen, nachdenklichen und poetischen Szenen und Bildern und behandeln nicht selten die ganz großen Fragen des Lebens und Zusammenlebens. Die DFDC hat die Produktion nun erstmals nach Deutschland eingeladen.

Spielplan

Here is There

This Beautiful Messy Thing

Several Rhythms Sort Thoughtfully

Down the Road

N.N.N.N.

Body Me

Down the Road

N.N.N.N.

Body Me

Forsythe / Hauert

Undertainment

Playing with Sergei, Martha and the Others

Miniaturen / Miniaturas

Miniaturen / Miniaturas

Forsythe / Hauert

Undertainment

Playing with Sergei, Martha and the Others

Forsythe / Mandafounis

Undertainment

À la carte

Forsythe / Hauert

Undertainment

Playing with Sergei, Martha and the Others

Forsythe / Mandafounis

Undertainment

À la carte

Neues Werk

Neues Werk

Neues Werk

Neues Werk